... ** Feliz Año Nuevo ** ...
IRINA PALM de Sam Garbarski
Dir: Sam Garbarski
Int: Mariane Faithfull, Miki Manojlovic, Kevin Bishop, Siobhan Hewlett
La segunda película de Sam Garbarski tuvo una buena acogida en el Festival de Berlín de 2007 (una gran ovación tras su proyección auguraba lo mejor para este film) pero al final no consiguió hacerse con el Oso de oro contra todo pronóstico.
Su protagonista, Mariane Faithfull, también ha cosechado buenas críticas en su papel de abuela, tanto como para ser nominada como mejor actriz por este rol en la pasada edición de los premios de cine europeos, que tampoco consiguió.
Y es que apesar de las bondades del film, como la correcta dirección de Garbarski o la sobria interpretación de Mariane, hay ciertos elementos que no te dejan con un sabor de boca de "película redonda". Para empezar, la banda sonora no ayuda en absoluto a la fluidez de la trama y obstaculiza, en vez de facilitar, el paso de una secuencia a otra. Ghinzu no logra crear una banda sonora memorable, en su debut como compositor de bandas sonoras cinematográficas, y todo lo que logra es una repetición del tema central que cansa y hastia al espectador a la vez que entorpece la narratividad.
Además, la cinta termina de una manera un tanto abrupta y con el típico "happy ending" tan propio de las películas comerciales americanas. El guión escrito a 6 manos por Philippe Blasband, Sam Garbarski y Martin Herron comienza con fuerza pero pierde intensidad e interés en la última mitad concluyendo, como ya he mencionado, de forma demasiado brusca.
Innegablemente la película se agarra al flotador actoral de Mariane Faithful, en quien recae todo el peso de la historia, como la abuela que se sacrifica para conseguir dinero para su nieto enfermo y para ello hará cualquier cosa, incluso trabajar en un sex-shop. Es el único personaje que la trama permite desarrollar en su totalidad, pues de los demás personajes sólo tenemos escuetos esbozos.
En resumen, se trata de una película amable sobre el amor filial que, pese a sus defectos, dejará un buen sabor de boca a aquellos que se animen a verla.
PETICIONES... BSO DE 30 DAYS OF NIGHT
La BSO de este film ha sido compuesta por Brian Reitzel y aquí os dejo un par de pistas representativas para entender el clima de la película y la clase de atmósfera sonora que logra el film.
Prelude: Last day of sun. BSO/OST 30 days of night. Brian Reitzel
Daybreak. BSO/OST 30 days of night. Brian Reitzel
DEATH SENTENCE de James Wan
Dir: James Wan
Int: Kevin Bacon, Kelly Preston, Garrett Hedlund, Jordan Garrett
La última película de James Wan, director de "Saw" vuelve a cumplir los postulados del grupo que la revista Total Film ha dado en denominar "Slat Pack". Si has visto "Saw" sabes a qué tendencia me estoy refiriendo: películas extremadamente violentas en las que ponen a prueba el estómago del espectador con actos agresivos explícitos. Muchas de ellas poseen un marcado caracter terrorífico.
Personalmente la violencia no me atrae, pero me dejé seducir por el argumento del film: un padre cualquiera de esa loca sociedad americana tiene la mala suerte de estar con su hijo en el lugar equivocado, en el momento equivocado y ve cómo su retoño muere a manos de unos atracadores. Fruto del azar queda atrapado en una inmensa telaraña de violencia y el descenso a los infiernos le hacen enfrentarse con su propia naturaleza. Cada vez más animal, cada vez más parecido a los asesinos de su hijo, presenciamos el brutal "ojo por ojo y diente por diente" entre él y el violento grupo de asesinos, hasta que sólo puede quedar uno.
Para narrar esta trepidante historia Wan opta por la cámara en mano en la mayor parte de las tomas. Ian Jeffers firma el guión, basado en la novela de Brian Garfield, echando mano de una imaginación desbordante para que cada asesinato sea más grotesco que el anterior.
Kevin Bacon tiene algún momento memorable desde el punto de vista interpretativo, como cuando se despide de su hijo pequeño. No obstante, cuando se convierte en "Terminator" el espectador tiene que hacer un notable esfuerzo imaginativo por creérsele en esas circunstancias y protagonizando esas acciones.
Gustará a los amantes de la acción, las armas y las imágenes un poco gores. Si eres de los que te mareas con la sangre, mejor abstente de verla.
30 DIAS DE OSCURIDAD (30 DAYS OF NIGHT) de David Slade
Dir: David Slade
Int: Josh Harnett, Melissa George
El cine de vampiros y monstruos vuelve a estar de moda. En este caso volvemos a hablar de la adptación de un comic, el escrito por Niles y Ben Templesmith y que Sam Raimise ha encargado de sacar del papel al celuloide.
Esta cinta nos narra la historia de una ciudad de Alaska en la que durante el invierno, hay 30 días en los que no ven la luz del sol. Con esta premisa de partida no resulta extraño que un grupo de vampiros descubra "por casualidad" esta pequeña localidad perdida en medio de la nada y decidan desangrar a todos sus habitantes para darse el gran festín. ¿Logrará sobrevivir alguno de sus habitantes? Tendréis que ir al cine para descubrirlo porque yo no os lo voy a contar.
Personalmente me ha parecido una película aburrida y predecible. Tenía esperanzas puestas en esta cinta ya que su director, David Slade, fue también el artífice de la inquietante golosina "Hard Candy" y confiaba en su buen hacer tras las cámaras. Sin embargo, el guión recurre a muchos tópicos sobre el tema, en este caso sin ahondar en la psicología de los agresores. No explica de dónde salen los vampiros realmente ni qué pretenden con esta acción.
La acción avanza a saltos y de manera gratuita y desde el punto de vista de la realización no hay nada realmente destacable. Los actores están correctos en unos papeles con poca profundidad dramática. Lo más destacable del film, los 4.000 litros de sangre artificial, 280 toneladas de nieve y cinco toneladas de gas propano empleadas. Ante estas cifras, el espectador avizado sabe que estamos ante uno de esos productos un poco gores y hechos para el consumo rápido que no pasarán a los anales de la historia del cine, ni siquiera del género.
Te gustará si eres un amante del género sin prejuicios y la detestarás si buscas algo más que entretenimiento en ella.
LOS CLIMAS de Nuri Bilge Ceylan
DIR: Nuri Bilge Ceylan
INT: Ebru Ceylan, Nuri Bilge Ceylan, Nazan Kirilmis
El Festival de Cannes concedió a esta cinta el Premio de la Crítica Internacional en 2006 y ahora se desliza en nuestra cartelera. "Los climas" nos cuenta la historia de amor-desamor de una pareja y aunque el planteamiento pueda resultar sencillo, esta historia oculta otras, como en la vida misma.
Lo realmente interesante, por lo menos para mí, de ver otras cinematografías (en este caso es una película turca en coproducción con Francia) es descubrir otras maneras de contar, otras formas de ver la realidad que nos rodea e impregnarla en el celuloide a 24 fotogramas por segundo. En este caso Nuri Bilge se decanta por un ritmo lento, largos planos secuencia sin mover la cámara y composiciones que buscan sembrar en el espectador un algo más allá de lo que se está contando. Puede parecer que no pasa mucho en el filme, pero por dentro de los personajes está pasando muchísimo. Muchas veces es más importante lo que callamos que lo que contamos.
En alrededor de 100 planos (una película de la misma duración suele tener casi tras veces más cantidad de planos) el director Nuri Bilge, apoyándose en la simplicidad técnica más absoluta, se adentra perversamente en las almas de los personajes que retrata con su cámara, para descubrir la complejidad psicológica humana y descubrir que las razones que nos causan la felicidad y la infelicidad son siempre las más sencillas.
Recomendaría este filme a todos aquellos amantes del cine de autor, que no les dé miedo probar cosas nuevas y que disfruten la vida a ritmo pausado, que sean observadores de su entorno y de la condición humana. Sin embargo aquellos que disfruten con la velocidad, la estética y el ritmo videoclip, deberían abstenerse de ver esta película, porque no van a conseguir sintonizar con la lenta cadencia que desde el primer momento imprime el realizador al filme.
ENTREGA DEL PREMIO GONZALEZ SINDE AL FESTIVAL DE NANTES
Hoy se ha entregado en la Academia de Cine un premio a la labor que el Festival de Nantes ejerce, dando a conocer nuestro cine.
Me gustaría reflexionar sobre algo que se ha dicho en la rueda de prensa y es que de alguna manera el cine sirve allí en Nantes como un estímulo para que la gente quiera conocer nuestra cultura, para que incluso se decida a estudiar nuestra lengua.
Nunca lo había visto así pero es de alguna manera la "tarjeta de presentación" de un país de cara al extranjero, una herramienta para extender y sembrar nuestro modo de ser y de pensar en los demás.
Me gustaría plantear una cuestión, ¿creeis que la actual ley del cine va a mejorar o empeorar esto? Mucho se ha dico ya, lo sé, pero me gustaría saber qué opinais vosotros.
A continuación os dejo la rueda de prensa íntegra.
http://www.divshare.com/download/1027785-a18
OPINIONES SOBRE ESTE MAKING OF
Me gustaría saber qué opinais con respecto a este making of. La verdad es que se ve un poco mal pero...
Muchas gracias!!
SHREK TERCERO
DIR: Chris Miller
INT: Myke Miyers, Eddie Murphy, Cameron Díaz, Antonio Banderas
Que algo anda mal en Hollywood no es noticia. Se habla de crisis de ideas. No hay más que pararse a ver qué clases de productos nos están llegando de la patria de MacDonalds: remakes, terceras, cuartas, quintas partes de, recurrir a adaptar historias que se presupone de antemano van a tener un público fiel (por ejemplo, el de los comics), películas insustanciales y con muchos efectos especiales, en definitiva, son las que estos días inundan nuestras carteleras.
Ahora le toca el turno a Shrek Tercero. No es un peliculón y tampoco resulta divertida como era la primera parte (de hecho tienes suerte si consigue arrancarte una sola carcajada). Es simplemente un producto más de la agotada "fábrica de sueños californiana", un producto para consumir rápido y luego olvidar.
La historia no consigue enganchar. En este caso Shrek va en busca del nuevo rey de "Far far away" mientras "Prince Charming" planea derrocarle e investirse él mismo rey. Y en algún momento, que presencias con los ojos como platos, la historia se convierte en la típica comedia de instituto yankee.
Las interpretaciones son correctas y acordes a lo que se espera de ellas. Si al final os vais a atrever a dejaros caer por el cine para verla os recomiendo que por lo menos la veais en original. Ahora, no digais que no estábais advertidos!!
PETICIONES DEL OYENTE..... LA MÚSICA DE AMELIE
Ahora que Audrey Tatou está presente en las carteleras españolas con su comedia romántica "Un engaño de lujo" (teneis la crítica de la película en este mismo blog, en las entradas de mayo AQUÍ), para muchos se forma en la mente, inevitablemente, el recuerdo de su personaje en "Amelie", film de Jean Pierre Jeunet, con el que alcanzó fama mundial.
Esta película no sólo cubrió de honores al equipo artístico del film, sino que también hizo que el compositor de la banda sonora, Yann Tiersen, alcanzara un gran reconocimiento público. Para todos aquellos fans del trabajo de Yann Tiersen deciros que además de la banda sonora de Amelie, también se ha encargado de la banda sonora de "Goodbye Lennin".
Aquí os dejo uno de los temas característicos de la banda sonora de Amelie. Se titula "La noyee".
LA NOYEE---BSO AMELIE; YANN TIERSEN
Una canción de la banda sonora de BAJO LAS ESTRELLAS
STELLA BY STARLIGHT (de ENRIQUE MORENTE perteneciente a la banda sonora de BAJO LAS ESTRELLAS)
BAJO LAS ESTRELLAS, de Félix Viscarret
DIR: Félix Viscarret
INT: Alberto San Juan, Emma Suárez, Julián Villagrán, Violeta Rodríguez
De unos años a esta parte, numerosos directores nóveles están consiguiendo proyectar sus óperas primas en las grandes pantallas, con calidades desiguales. No es el caso de este film, que a pesar de ser el primer largometraje de este director muestra una gran madurez con su puesta en escena y hace un planteamiento sólido e interesante en lo referente a guión y montaje.
Precedida por los galardones obtenidos en en Festival de Málaga en el 2007 (mejor película, mejor director, mejor actor y mejor guión novel) estoy segura de que va a tener un largo recorrido tanto en salas comerciales como en premios (recordemos el caso similar de Azuloscurocasinegro que tantas satisfacciones ha dado a su director Daniel Sánchez Arévalo).
Viscarret ha adaptado la obra de Fernando Aramburu "El trompetista del Utopía" para
narrar, sin caer en el sentimentalismo barato, la historia de un músico que regresa a su pueblo natal para enterrar a su padre. El reencuentro con su hermano, la novia de éste y la hija de su novia le cambiarán completamente la vida, y es que como reza su slogan, "todos merecemos una segunda oportunidad".
Especialmente memorable es la relación que Viscarret consigue plasmar en 24 fotogramas por segundo entre el trompetista (Alberto San Juan) y la niña (Violeta Rodríguez), una relación real y cinematográfica como la vida misma.
En verdad hay que destacar el trabajo de Alberto San Juan, como uno de los mejores de su carrera, y la elección de Violeta Rodríguez también ha sido muy acertada. Tal vez el trabajo de Julián Villagrán destaque menos por ser un personaje más llevado al extremo, incluso en ocasiones, como una caricatura del artista diferente y excéntrico.
Álvaro Gutiérrez, el director de fotografía, consigue una magnífica iluminación, en ocasiones casi mágica, y con regusto a los años 70. El uso de unos estupendos contraluces apoya estupendamente el hilo narrativo y el tono del largometraje.
La música de Mikel Salas, en ocasiones con reminiscencias a películas del oeste, ofrece el perfecto contrapunto y subrayado musical a una historia que podría caer en el tópico pero consigue elevarse a la altura de una propuesta interesante que dejará un buen sabor de boca a todos aquellos que se animen a verla.
SVEN NYKVIST--CULTO A LA LUZ
Estos días ha caído en mis manos un maravilloso libro titulado "Culto a la luz" en el que se repasa la vida y obra del gran director de fotografía Sven Nykvist, quien lamentablemente falleció el 20 de septiembre de 2006.
Si teneis oportunidad no dejeis de leer este libro porque, además de ameno, cuenta muchísimas anécdotas que le sucedieron con los grandes directores con los que tuvo ocasión de trabajar: Igmar Bergman, Louis Malle, Tarkosky, John Huston, Woody Allen.... como veis son grandes nombres de la historia del cine, y seguro que habeis visto alguna película en la que él fuera el director de fotografía.
De las películas que he visto que él ha iluminado me gustaría destacar "Persona", de Bergman, por el uso expresivo que hace de la luz.
Su estilo se basaba en una iluminación lo más natural posible, huyendo de la luz artificial, de los excesoso de iluminación y usaba al máximo la luz natural de la que disponía.
CRÍTICA DE TIDELAND
TIDELAND
Dir: Terry Gilliam
Int: Jodelle Ferland, Jeff Bridges, Jennifer Tilly
Con dos años de retraso lleva a nuestras pantallas el próximo 8 de junio "Tideland", la última película de Terry Gilliam. Ni el Premio FIPRESCI que consigíó en el Festival de Cine de San Sebastián en 2005 han conseguido hacerle un hueco en la cartelera española a este film, duro de digerir, y que provoca reacciones encontradas en los espectadores que tienen oportunidad de verlo.
Para muestra un botón. Cuando se pasó la película en Donostia más de la mitad de los espectadores abandonaron la sala. Incluso los críticos abandonaban la proyección con el estómago revuelto. Gilliam tampoco se ganó el aprecio de los periodistas cuando en la rueda de prensa posterior al film calificó de estúpidos a los espectadores que se habían salido de la sala por no poder aguantar más los avatares de la niña y el cadaver.
Inspirada libremente en la novela homónima de Mitch Cullin, el cineasta cuenta la historia de una niña, cuyos padres son yonkis en la ciudad y que por avatares del destino queda huérfana en el campo. Sin embargo en esta ocasión el director de filmes tan emblemáticos como "12 monos" o "Brazil" se pasa casi al sadismo más gore y macabro para narrar esta historia que él dice hay que ver con "ojos de niño" y en la que la línea entre la realidad y la ficción es muy estrecha.
A pesar de su paso por Donostia y del galardón que allí recibió, esta cinta no ha gozado de buenas críticas y supone un punto y aparte en la carrera de este cineasta.
Desde mi punto de vista hay momentos demasiado truculentos que rayan en el sadismo y que tampoco aportan realmente nada a la historia (como todo lo que le sucede al cadaver) y tampoco me convence la interpretación de Jodelle Ferland, quien por entonces contaba con 10 añitos, y que en ocasiones me parece demasiado exagerada.
Tal vez gustará a todos aquellos incondicionales (pero REALMENTE incondicionales) de Terry Gilliam.
Sin embrago, todos aquellos que no tengan un estómagoa prueba de bombas lo van a pasar realmente mal porque hay momentos realmente macabros en la película.
OTROS DIRECTORES NOMINADOS AL ÓSCAR
Antes que Borja Cobeaga y Javier Fesser obtuvieran sus nominaciones, hubo otros dos directores españoles que consiguieron obtener una nominación al mejor corto en los Óscar. Ellos son Nacho Vigalondo con "7.35 de la mañana" y Juan Carlos Fresnadillo con "Esposados". Lamentablemente ellos tampoco consiguieron llevarse la estatuilla a casa, pero consiguieron dar el salto al largometraje...
7.35 DE LA MAÑANA
PSICOTAXI... Esposados no está en Youtube, pero esta esta otra pequeña joyita, para todos aquellos fans de Alejandro Jodoroswky
DOS DE LOS CORTOS NOMINADOS AL ÓSCAR EN EL 2007
En 2007 Borja Cobeaga (con "Éramos pocos") y Javier Fesser (con "Binta y la gran idea") fueron dos de los cortos nominados en la categoría de corto de ficción en la edición de los Óscar de 2007. Por desgracia ninguno de los dos se llevó el premio, pero fueron otra nota "española" en esta edición, en la que "El laberinto del Fauno" (coproducción México-España) arrasó.
ÉRAMOS POCOS
BINTA Y LA GRAN IDEA
Y COMO EL DÍA VA DE CORTOS
También me gustaría dejar por aquí "Digital", de Elías León Siminiani. Espero que lo disfrutéis tanto como lo disfruté yo.
DIGITAL
CORTOMETRAJES
Aquí dejo dos hallazgos de Youtube, "Express" y "Pene", dos cortometrajes de Daniel Sánchez Arévalo
EXPRESS
PENE
HELLO /// HOLA /// BONJOUR !!!
Hi there, first of all I would like to thank you all for your visits to "Cinecatessen" and I would like to ask a favour from you... I´d really apreciate it if you left a comment on the photos, if you find them interesting. Thanks again... and see you soon!
Hola a todos, primero me gustaría daros las gracias por entrar en "Cinecatessen" y me gustaría pediros un favor... me gustaría muchísimo que dejárais un comentario sobre las fotos, si las encontrais interesantes. Gracias de nuevo... y nos vemos pronto!
Merci pour votre visits. Si vous aimez les photos je voudrias qui vous laisser un comment. Merci beaucoup, a tout a l´heure!!!
Porque cada ciudad tiene su historia...
Cada ciudad tiene su historia y en ocasiones algunas de ellas terminan plasmadas a 24 fotogramas por segundo, otras acaban en tinta y papel y otras en imágenes para conservar en nuestra retina.
CRÍTICA DE CINE
UN ENGAÑO DE LUJO
Dir: Pierre Salvadori
Int: Audrey Tatou, Gad Elmaleh
Audrey Tatou, la entrañable Amelie, abandona su disfraz de dúlce y tierna para encarnara una "devora hombres", una mujer guapa y cosmopolita que utiliza a los hombres para que le den su dinero y una vida de lujo. Todo le va aparentemente bien con su acaudalada pareja hasta que un tímido trabajador de un hotel se enamora perdidamente de ella. Como ella sólo sale con personas de "alto standing", éste se hace pasar por multimillonario. Y como la verdad siempre tiene forma de salir a la luz, cuando se descubre todo el pastel ya tenemos la típica comedia romántica.
Sólo que en este caso el film no funciona. A los dos personajes protagonistas les falta el encanto necesario para que te creas sus personajes (y verdaderamente resulta penoso ver a Amelie intentando ser lo que no es, una loba con muchas curvas). De hecho hay hasta algún guiño a la película de Jeunet, pues a Salvadori se le ocurre subir a los dos protagonistas a una motocicleta (a alquien le suena?).
La realización de Salvadori es convencional y anquilosada y como ya he dicho las interpretaciones de los actores no ayudan a suplir las carencias argumentales o rítmicas de este film.
No gustará ni a los incondicionales de Audrey Tatou, ni a los amantes de la comedia romántica...Pronostico que durará poco en cartelera.
CRÍTICAS DE CINE
ZODIAC
EE.UU (2007)
Dir: David Fincher
Int: Jake Gyllenhaal, Mark Ruffalo, Robert Downey Jr
Las luces de la sala por fin se apagan y yo me pregunto con qué David Fincher nos vamos a reencontrar a 24 fotogramas por segundo tras sus cinco largos años de silencio y ausencia del séptimo arte (o vicio, como se quiera mirar). ¿Será el David Fincher de Seven, el de El club de la lucha o el de los alardes con la cámara de La habitación del pánico?
Desde el primer fotograma observamos que Fincher ha decidido abandonar la línea estética que en La habitación del pánico le hiciera meter la cámara através del asa de una cafetera para mostrar un planteamiento visual más reposado, adecuado para narrar esta historia que "observa" todo el proceso de una investigación criminal a lo largo de casi veinte años. No abandona Fincher, sin embargo, esa tendencia a unir la infografía con el celuloide como sólo él sabe hacer magistralmente (nada más hay que recordar esos títulos de crédito de La habitación del pánico o "la casa ikea" de El club de la lucha) y hay momentos en que fusiona el elemento esencial de la investigación, la escritura del asesino, con las imágenes de una forma muy original.
No es la primera vez que David Fincher aborda el tema de los asesinos en serie. Ya lo hizo con Seven. En esta ocasión parte de un acontecimiento real, una investigación real, para crear ficción. Desde mi punto de vista en este caso Fincher nos habla, más que del asesinato, de la fatalidad de las obsesiones, pues todos los que se involucran con el caso y se obsesionan con él terminan destruyendo sus vidas, igual que el asesino mataba a sus víctimas.
Una realización impecable que tal vez peca en algunas ocasiones de demasiados saltos espacio-temporales que pierden un poco al espectador en cuanto a la continuidad de los acontecimientos en la narración. A pesar de todo yo echo de menos la estética y ritmo del que dotó a la que para mí sigue siendo su obra maestra, El club de la lucha.
En la actualidad David Fincher se encuentra compitiendo en Cannes con este film, que la crítica parece haber aplaudido bastante.
La película gustará a los incondicionales del director y a todos aquellos interesados en las películas de detectives.
No gustará a aquellos que odien las historias con saltos en el tiempo.
Anécdota final: para todos aquellos cinéfilos una perlita que desvela este film, Harry el sucio está basado en el mismo caso de asesinatos en serie de EE.UU, sólo que en el caso de Harry el sucio el asesino firmaba como Escorpio y no como Zodiac.
ORSON WELLES
ORSON WELLES, EL GENIO AUTORITARIO
George Orson Welles, actor, director, guionista, productor..., nació el 6 de mayo de 1915 en Wisconsin en el seno de una familia acomodada. De su madre heredó sus dotes musicales de las que hizo gala a la temprana edad de cinco años. Su madre murió cuando Welles tenía solo nueve años, esto le marcó (aunque él siempre lo negó) influyendo en su obra cinematográfica, en personajes como Mrs. Kane de Ciudadano Kane y Fanny Minafer de El Cuarto Mandamiento. Con tan sólo solo doce años perdió también a su padre, quien le legó una cuantiosa herencia que le permitió hacer, literalmente, lo que quiso. Primero intentó entrar en la compañía teatral de Dublín, logrando hacerse un hueco para trabajar con Katharine Cornell.
A mediados de los años 30, se estableció como un actor de radio en programas como The March of Time o The Shadow, entre otros. Revolucionó las posibilidades expresivas radiofónicas en las dramatizaciones que elaboró para la Mercury. Todos hemos oído hablar de La guerra de los mundos y de cómo EE.UU se dejó dominar por el pánico. Dicha retransmisión dió fama mundial a Orson Welles.
En agosto de 1939 firmó un contrato con la RKO para rodar al menos un filme por año con total libertad. Así, el 30 de julio de 1940 comienza en rodaje de “Ciudadano Kane”, su primer filme, que pese a ser bien acogido por crítica y público fue un desastre financiero. CIUDADANO KANE se enfrentó a problemas de distribución y exhibición por la campaña en contra de Hearst, pues el film trata de una pseudobiografía del gran magnate de la prenss. A pesar de todo, obtuvo nueve nominaciones al Óscar y se llevó el premio al mejor guión adaptado.
La segunda película de Welles para la RKO, EL CUARTO MANDAMIENTO (1942), una adaptación de la novela homónima de Booth Tarkington, era un film más convencional, en el que que utilizó las mismas técnicas que en Ciudadano Kane (grandes angulares, mucha profundida de campo, cámara a ras del suelo, mostrar techos...). No sólo fue un fracaso comercial, sino que se cortaron aproximadamente 55 minutos de metraje y se cambió el final sin pedir la aprobación de Welles.
Tras el gran fiasco de El Cuarto Mandamiento, la reputación de Welles sufrió un golpe del que jamás se recuperaría. Welles y los actores del Mercury fueron despedidos de la RKO.
Después de estos fracasos, pasó algunos años actuando en películas. No fue hasta 1946 cuando volvió a ponerse tras las cámaras para dirigir El extranjero (The stranger), cinta que narra cómo un criminal de guerra nazi se esconde en un apacible pueblo. Además de dirigir el film encarnó al personaje protagonista. Tras EL EXTRAÑO dirigió LA DAMA DE SHANGHAI (1948), una impresionante muestra del cine negro protagonizada por Welles y Rita Hayworth. El final en la sala de los espejos es un soberbio ejemplo del poderoso don de Welles para crear impactantes imágenes visuales.
A continuiación Welles volvió su mirada hacia Shakespeare y comenzó a llevar a la pantalla algunas de las obras más emblemáticas de dicho dramaturgo. Así filmó MACBETH (1948), OTHELLO (1952), que ganó el Gran Premio del Festival de Cannes y CAMPANADAS A MEDIA-NOCHE (1966).
Pero no sólo de Shakespeare vivía Welles, pues junto a estas obras shakesperianas también rodó con dinero español y francés MR: ARKADIN (1955), otro retrato de la vida de un hombre poderoso.
Welles regresó a Hollywood para actuar y dirigir SED DE MAL (1958), una obra maestra absoluta del cine negro. Esta película se ha hecho famosa, por el plano secuencia del comienzo, en el que Welles gastó todo el presupuesto inicial.
Tras haber adapatado a Shakespeare, Welles se atrevió con Kafka y filmó EL PROCESO (1963), una extensión en forma de pesadilla de esa misma visión, donde presenta una sociedad completamente desprovista de un sentido moral
A partir de aquí, su carrera comienza un estruendoso declive, lleno de proyectos inacabados. Intentó llevar a cabo un proyecto que sería retomado más adelante por el australiano Phillip Noyce, The Deep (que más tarde sería Calma Total); también podríamos hablar de Don Quichote, o de The other side of the wind, entre otros.
Su último film completo, FRAUDE (1978), en el que mezcla documental y ficción, y que pretende investigar la línea que separa la realidad de la ilusión.
En el momento de su muerte, Welles se encontraba trabajando en THE OTHER SIDE OF THE WIND, un proyecto que empezó a filmar en los setenta. Obviamente autobiográfico, era la historia de un famoso cineasta (interpretado por el buen amigo de Welles, John Huston) luchando por encontrar financiación para su película. Fue un triste e irónico fin para un cineasta indomable que fijó los estándares de la narrativa moderna en el cine, y el hombre que fue, en palabras de Martin Scorsese, "responsable de inspirar a más gente para ser directores que ningún otro en la historia del cine".
Orson Welles murió en 1985 en Los Ángeles, de un cáncer. Sus cenizas reposan en el jardín de una casa en Sevilla.
Welles ha sido uno de los grandes renovadores de la gramática cinematográfica y que su obra supone un antes y un después en la historia del cine. Sus innovaciones aún siguen vigentes y es por ello que sus películas aún resultan modernas para el espectador actual.
CRITICAS DE CINE
CHROMOPHOBIA /ALTA SOCIEDAD
Reino Unido/Francia/EE.UU (2005)
Dir: Martha Fiennes
Int: Clive Carter, Ben Chaplin, Penelope Cruz, Ralh Fiennes, Kristin Scott Thomas, Damian Lewis
La segunda película de Martha Fiennes como directora no convence a la crítica y habremos de esperar hasta su estreno, el 18 de mayo, para saber si convence al público español. En el 2005 esta cinta clausuró el Festival de Cannes y ha tenido que esperar, por razones que ni la propia directora conoce, hasta 2007 para poder estrenarse en salas cinematográficas. Como nota curiosa, se estrenará antes en España que en el Reino Unido.
Martha Fiennes narra al vacío existencial en la refinada y acartonada alta sociedad inglesa a través de la vida de un abogado de éxito (Damian Lewis) y su mujer (Kristin Scott Thomas), una marchante de arte. Sin embargo, todo el planteamiento narrativo es ampuloso, abusando en exceso de una planificación que se deja llevar por la grandiosidad de los ambientes y de una banda sonora excesivamente alta.
No destaca ningún actor y nuestra Penélope hace aguas en cuanto a credibilidad encarnando el papel de una prostituta de lujo venida a menos aquejada de cáncer.
Gustará a todos aquellos fans de "Pe" y "El Paciente Inglés" pues repite la pareja protagonista de ese film en este, desde una relación filial esta vez.
No gustará a aquellos que consideren que las carencias narrativas y rítmicas no se solventan a través de la música a demasiados decibelios.
TODD SOLONDZ
Todd Solonz, la ironía de la crueldad
Mucho se ha dicho de este director, nacido en 1959 en New Jersey, USA, pero ciertamente, sus películas no dejan indiferentes a nadie. O bien te enamoran o bien las odias. Este ex alumno de Yale hizo un master en cine y televisión en la New York University Film School, donde destacó con su cortometraje Schatt's Last Shot (1985). Tras este premiado corto llegó un jugoso contrato para hacer tres películas con la 20th Century Fox y otro con Columbia, que Solondz rechazó. Todo parecía prometedor, y gracias a la financiación de Polygram y la distribución de The Samuel Goldwyn Company, pudo producir su primer largometraje Fear, Anxiety and Depression, (que él hubiera preferido llamar The Young and the Hopeless) en 1989. El resultado fue un auténtico fiasco. Esta comedia, ambientada en la burbuja artística neoyorquina y protagonizada por él mismo y Stanley Tucci, fue destrozada por la crítica: lo acusaron de querer ser Woody Allen sin entender a Woody Allen.
Tras esto Solondz abandonó la “profesión” (o la profesión lo abandonó a él, como a él le gusta decir en tono jocoso), y estuvo trabajando en Nueva York enseñando inglés a extranjeros, inmigrantes rusos principalmente.
Y así pasaron 6 años, hasta que se decidió a rodar en 1995 "Welcome To The Dollhouse" (en España Bienvenidos a la casa de las muñecas y cuyo título original era Faggots and retards: "Putos y retrasados") con apenas 800 mil dólares. Siempre fiel a su visión mordaz e irónica del mundo, en esta ocasión su punto de mira era el mundo preadolescente de una chica de once años, la fea y rara del colegio (papel interpretado por Heather Matazzo). Su particular sentido del humor le valió, en esta ocasión, el Gran Premio del Festival de Sundance en 1996. Esta película consiguió, además de grandes críticas, grandes recaudaciones en taquilla.
Tras este apabullante éxito, Todd Solondz ya tenía un nuevo guión en la recámara, “Happiness”(1998), que nadie se atrevía a rodar. Finalmente October Films, una filial de Universal, aceptó el reto y le financió la película. En palabras del director: “Sólo quería distinguir entre la verdadera felicidad y eso con lo que generalmente la confundimos. No somos realmente felices porque nos compremos algo o nos acostemos con alguien. Eso, en el mejor de los casos, funciona como paliativo temporal, pero después todo vuelve a ser como era. Por eso es que Happiness aspira a mostrar esas capas en nuestras vidas que no siempre estamos dispuestos a ver. Quise mostrar esas personas que no sólo las ven sino que viven en ellas. Mostrar que puede haber personas con las que simpatizamos que pueden cometer atrocidades y sentirse felices mientras las cometen. Aunque después vuelvan a ser infelices”. Pero no fue así como lo vieron los de la October Films. En esta película también se habla de la pedofilia y fue por esta razón que Solondz se quedó sin distribuidora. Tuvo que estrenar la película en los pocos cines independientes que se atrevieron a hacerlo y tuvo que salir a dar explicaciones por un guión que escribió a partir de historias reales, tomadas de los diarios y grabadas de la TV: "No me interesa la pedofilia en sí. La película no es sobre una perversión, sino sobre personas que intentan conectarse”. Pese a todos los problemas, su polémico director volvió a conseguir un importante premio: ganó por votación unánime el Premio de la Crítica Internacional en el Festival de Cannes de 1998.
Tras esto llegó “Storytelling”(2001) donde habla de las relaciones entre estudiantes y relaciones entre padres e hijos. Dividida en dos partes bien diferenciadas, Fiction y Non fiction, presenta dos historias marcadas por su sello personal, su particular ironía, y que a primera vista no tienen nada en común. En la primera se explora el tema de la búsqueda del éxito personal en una clase de estudiantes de literatura. En la segunda se tocan temas como el sexo, la raza, la fama y la manipulación, enmarcados dentro de la historia de una típica familia media americana.
Su última película es "Palindromes" (2004) en la que nos cuenta la particular historia de Aviva, una niña que desea tener un bebé sobre todas las cosas. Con ella, nos adentramos en su particular búsqueda de cómo ser madre, mientras el personaje de Aviva lo encarnan diferentes actores, incluso un varón.
Las claves del estilo de Solondz son la ironía, el sarcasmo, la mordacidad y un particular sentido del humor que te hace echar una carcajada que se congela a medio camino cuando comprendes la gravedad moral de lo que estás viendo. Ciertamente, es notable su capacidad de mostrar la realidad de manera cruda, sin condimentos rosas tan propios de otras películas americanas. Él mismo define sus películas como “comedias, pero muy tristes y dolorosas”. Para él, reconocer nuestra crueldad nos hace humanos. Y, sin duda, sus filmes son una gran catarsis en lo que a crueldad se refiere, pues no escatima recursos para mostrar al espectador inteligente todas las trampas -crueles y dolorosas- de la sociedad en la que vivimos inmersos.
Toca todos los temas escabrosos, todos los tabúes, sórdidamente, con una violencia visual que a veces desconcierta, pero que es efectiva, al mostrar los engranajes sociales más arcaicos, que todos escondemos en el fondo de nosotros. Y nos los desmonta, para que nos preguntemos en qué clase de mundo vivimos y nos hagamos conscientes de nuestras propias limitaciones y monstruosidades.
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